Barokkskulptur: Bernini, sentrale kjennetegn og hvordan man tar i bruk verk i dag

Stå foran Gian Lorenzo Berninis Apollo og Daphne i Romas Borghese-galleri, og appellen til barokkskulptur blir tydelig i løpet av sekunder: en mytologisk jakt som er frosset i det nøyaktige øyeblikket Daphnes fingre strekker seg til laurbærblader, tærne hennes slår rot, munnen hennes åpner seg i et rop som marmor på en eller annen måte gjør hørbar. Dette er stilen som dominerte Europa fra tidlig på 1600-tallet til midten av 1700-tallet. Den avviste rolig, idealisert stillhet til fordel for det mest dramatiske øyeblikket en historie kunne tilby, skåret ut slik at lys, skygge og betrakterens egne fotspor fullfører komposisjonen.

Enkelt sagt er barokkskulptur en skulptur konstruert for bevegelse, følelser og skue. Å forstå hvordan den oppnådde disse effektene, teknisk så vel som kunstnerisk, er viktig for alle som tar i bruk fontener, kirkefigurer, engler eller hagestatuer i dag, fordi de samme strukturelle problemene som Bernini løste er de som hvert verksted fortsatt må løse.

Hva gjør en skulptur barokk?

Renessansefigurer møter deg vanligvis, balanserte og sammensatte. Barokkfigurer vrir seg, kaster seg ut og når forbi sine egne kanter. Fem trekk gjentar seg på tvers av tidens verksteder:

• Diagonal og spiral komposisjoner. Kroppene er bygget på diagonaler i stedet for vertikale akser, så øyet beveger seg oppover eller sirkler rundt formen. Berninis David (1623 til 1624) er en spiralfjær med avstivede føtter og en såret overkropp, ingenting som Michelangelos faste helt.
• Det avgjørende øyeblikket. Skulptører valgte toppen av handlingen: bittet av Plutos fingre i Proserpinas lår (1621 til 1622), ekstasen til en helgen, bølgeskjæret.
• Draperi som motor. Klut blir kastet, pisket og dypt underskåret slik at det fanger lys og antyder vind og fart. Giuliano Finellis borearbeid på Apollo og Daphne ga hår så fint at det ser kjemmet fra hverandre.
• Flere synspunkter. Verkene var planlagt å gå rundt, og avsløre nye vinkler; ingen er en enkelt fasade.
• Fusjon av kunst. Skulptur, arkitektur, maleri, lys og vann ble kombinert til en iscenesatt helhet, mest kjent i Cornaro-kapellet, hvor marmorhelgener sitter i utskårne operabokser under en skjult lyskilde.

Hver egenskap har en teknisk kostnad. Spiralformede positurer skyver tyngdepunktet fra basen, dype underskjæringer setter stein under spenning, og luftbåren draperi må være perfekt modellert før en meisel noen gang skjærer. Tidens studioer jobbet derfor ut fra små leirskisser kalt bozzetti og forstørret dem først etter at dynamikken var løst, en arbeidsflyt som overlever nesten uendret i dag.

Moderne støperier tar fortsatt på seg disse dynamiske mytologiske gruppene. En bronse kentaur og engleskulptur bærer den samme ubalanse, oppadgående energien, løst med en indre armatur i stedet for flaks:

Bronse Centaur og Angel Sculpture Står 1,8 m høy med en blågrønn patina, dette bronseparet av en muskuløs kentaur og lekende bevinget kjerub gjenspeiler den ubalanse, oppadgående energien til Berninis dynamiske mytologiske grupper. Se produkt →

Bernini og den romerske barokken

Gian Lorenzo Bernini (1598 til 1680) definerte stilen slik en komponist definerer en skole. Før han fylte tretti hadde han skåret ut gruppene Pluto og Proserpina og Apollo og Daphne for kardinal Scipione Borghese, og deres overflaterealisme foruroliger fortsatt besøkende: steinkjøtt som bulker under et grep, marmortau som sliter. Etter tradisjonen bærer hans David skulptørens egen grimase, jobbet på mens Maffeo Barberini holdt et speil.

Hans modne verk presset fusjonen av kunsten videre. Ekstasen til Saint Teresa i Cornaro-kapellet iscenesetter lyset fra et skjult vindu bak forgylte stråler. Saint Longinus i Peterskirken (fullført 1638) gjør en soldats konvertering til en roterende komposisjon som er ment å leses mens han går. Fountain of the Four Rivers på Piazza Navona (1651) satte kolossale elveguder på en travertinstein under en obelisk, med vann som animerte hele ensemblet.

Roma var aldri et enmannsshow. Stefano Madernos Santa Cecilia (1600) åpnet århundret med en forferdelig utsatt naturalisme. Frankrikesco Mochis Saint Veronica (fullført 1639) pisket draperi til en kuling som ingen matchet på flere tiår. Alessandro Algardi tilbød et behersket, klassiserende alternativ som ble verdsatt av pavelige beskyttere, mens Francois Duquesnoy brakte flamsk klarhet. Variasjonen betyr noe: barokk var alltid en familie av løsninger, ikke en enkelt formel.

Hvordan stilen spredte seg over Europa og Latin-Amerika

I løpet av to generasjoner hadde det samme vokabularet tilpasset seg svært forskjellige klimaer av smak og tro:

De spanske og latinamerikanske grenene fortjener spesiell merknad: disse figurene var ikke hvit stein, men malt tre, ofte kledd i ekte tekstiler, og deres realisme tjente prosesjonsforestilling snarere enn museumsvisning. Finish har med andre ord alltid vært definert ved bruk.

Materialer og teknikker bak dramaet

Marmor: spenning hugget inn i stein

Barokk marmorskjæring er en kontrollert kamp med materialets svakhet, som er spenning. Borekanaler slipper dyp skygge inn i draperifolder, og kontrast mellom polert hud og grovt tannet stein skyver figurer fremover, slik at en enkelt figur kan bære flere finishgrader. For dagens kjøpere er lærdommen praktisk: dyp underskjæring øker kostnader og skjørhet, så det bør spesifiseres hvor øyet skal reise, ikke overalt. Måten studioer nå balanserer håndferdighet mot moderne forstørrelses- og replikeringsmetoder er nøyaktig det som skiller en nøyaktig klassisk figur fra en stiv kopi, som forklart i denne titten på hvordan menneskeskulpturer i marmor kombinerer tradisjonelt håndverk med moderne teknikk.

Havguder og vindblåste guder forblir de naturlige testsakene for denne utskjæringen, og det er grunnen til at en anstrengende Poseidon fortsatt kan leses som barokk selv i en moderne gårdsplass:

Menneskeskulptur i marmor med Poseidon-tema Omtrent 1,8–2,5 m høy med trefork og flytende draperi, viser denne værbestandige Poseidon-statuen hvorfor sjøgudskomposisjoner fra bronsetiden fortsatt kan leses som barokkkraft i en moderne gårdsplass eller ved vann. Se produkt →

Bronse: drama støperiet gjør mulig

Støping av tapt voks frigjorde skulptører fra steinens strukturelle logikk. Tynne luftbårne draperier, oppdrettshester og helt underskårne overkropper som ville knuses i marmor er rutine i bronse, og det er grunnen til at så mange av epokens mest ekstreme komposisjoner, fontener fremfor alt, ble kastet. Støping legger til stadier for støping, jaging og patina, og hver av dem er en kvalitetsport. Hvis du veier de to metallene for en kommisjon, er en undersøkelse av bronseskulpturtyper og -teknikker et fornuftig sted å starte.

Stucco, terrakotta og malt tre bar resten av tradisjonen, fra bayerske hvelvengler til Quito-helgener, alltid brokoblet av en modell i full størrelse godkjent før det endelige materialet ble rørt.

Barokkprinsipper i dagens prosjekter

Du trenger ikke et pavelig budsjett for å bruke dette vokabularet. Klientene som får mest ut av barokk-avledet arbeid deler tre vaner:

1. De matcher materialet til setting. Bronse tjener sin premium utendørs: den overlever fryse-tine-sykluser, tillater tynne dynamiske elementer og utvikler en beskyttende patina. Marmor belønner rolige interiører som kirker, mausoleer og søylehager hvor detaljer kan leses på nært hold.
2. De planlegger rundturen. En genuint dramatisk figur er designet for å være sirklet, så siktlinjer, lysvinkler og klaring betyr like mye som høyde. Enhver figur med luftbåren draperi trenger intern forsterkning og en riktig konstruert base, ikke bare en plan plate.
3. De behandler vann som en del av sammensetningen. Fra Piazza Navona og fremover har bevegelig vann vært den sikreste måten å få stein til å føles levende, og pumpestørrelse, drenering og vinterstans bør konstrueres med utskjæringen i stedet for å legges til etterpå.

En utskåret europeisk hvit marmorfontene er den direkte etterkommeren av den tradisjonen, og den viser hvordan figurarbeid, bassenggeometri og hydraulikk må løses som én kontrakt:

Europeisk hvit marmorfontene Denne fontenen er skåret ut av en enkelt hvit marmorblokk på 3,0–4,0 m, og forener figurarbeid, bassenggeometri og rennende vann, og fortsetter den barokke tradisjonen med integrert skulpturell design. Se produkt →

Når du orienterer en produsent, trykker du på punktene som barokke stykker stresser hardest: hvordan underskjæringer og utkrager er forsterket, hvordan modellen godkjennes før utskjæring eller støping begynner, hvilke finishnivåer du vil motta, hvordan stykker deles og kasseres for frakt, og hvem som forankrer og jevner arbeidet på stedet. Et verksted som besvarer disse spørsmålene med tegninger og referanser, snarere enn adjektiver, er den som kan levere en komposisjon bygget på spenning og holde den stående i flere tiår.

Barokkskulpturen består fordi den løser et permanent problem: hvordan få inert materiale til å føles levende akkurat i det øyeblikket oppmerksomheten er vunnet. Diagonalene, det piskede draperiet og de sammensmeltede fontene-og-figurensemblene var ingeniørmessige svar like mye som kunstneriske, og det er derfor de overføres så rent til moderne kirkeprosjekter, eiendomshager og offentlige torg. Velg materialet for setting, planlegg betrakterens bevegelse og plasser vannet der det hører hjemme i historien, og det syttende århundre vil fortsatt jobbe like hardt for prosjektet ditt som det en gang gjorde for Roma.